Dr. Martens: las botas de las subculturas

Dan un sentido de identidad a quien las usa

Las prendas usadas por la clase obrera logran entrar en un mundo de expresión que demanda individualidad. El punto de encuentro que logra está liderado, en primer lugar, porque ofrecen comodidad y, en segundo, porque aportan individualidad.

A través de los tiempos las prendas toman diferentes usos y significados. El mayor ejemplo de este fenómeno son los pantalones de mezclilla, prenda que comenzó a portarse por la clase obrera y se generalizó a  tal grado que son la prenda por excelencia. En 1960 el doctor Klaus Märtens, después de una lesión en el tobillo, creó las míticas Dr.Martens, botas que innovaron con las válvulas de aire. Estas se utilizaron 50 años por la clase obrera (policías, obreros, etc) sin saber la demanda y el significado que tendrían a través de los años.

Doc Martens

Los años 60 estaban rodeados por amor, flores y hippies. En los 70 surgió una contracultura para nada parecida a sus antecesores: los punks, jóvenes cargados de resentimiento social hacia los hippies y con mucho que expresar, junto a ellos nació una subcultura que definió una generación. Necesitaban algo que los representara y gritara su percepción, así que escogieron las botas Dr. Martens.

“En los 70 había algo que representaba anarquía, revolución y libertad: las Dr. Martens”. Johny Blue Eyes

The Clash

Los punks estaban decididos a demostrar su enojo contra los hippies, el resentimiento estaba latente en su comportamiento, su música y su estilo. Estaban en contra de todo, restablecían las reglas y empezaban de cero. Gavin Watson, autor de dos de  los mejores libros jamás editados sobre el mundo skin, establece que comenzaron a utilizar las botas porque era algo que los hippies jamas usarían “ no iban a usar botas, no iban a raparse la cabeza, queríamos expresar que no éramos hippies”.

dr martens

La industria de la música ayudó directa y conscientemente al posicionamiento de las botas en el mundo de la moda. En los 60 Pete Townshend, integrante de la banda The Who, utilizó deliberadamente un par de Dr Martens -modelo 1460- en el escenario para  mostrar su afiliación con la clase obrera. La juventud observó esto en una era en la que todo estaba sesgado por “el amor y la paz” y él se veía diferente. Con esto, las botas se colocaron en el corazón de la cultura juvenil. La banda Nirvana fue la encargada de ponerlas en el ojo del huracán cuando en los 90 estaban en la cima de su carrera y las botas eran parte de su identidad. Liv Tayler era la chica joven de moda y salió con un par en un video, lo que colocó a Dr. Martens en el mundo de la moda,  dejando atrás  las subculturas para comenzar a ser un producto masivo.

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A través de los años han sido portadas por diversas subculturas como grito de guerra. Han sido la voz de las demandas de la juventud y se han diferenciado por cómo se utilizan. Desde raspadas, pulidas o bien amarradas, han representado a skins, punks, goth, industrial, grunge, britpop, entre otras.

“Es realmente un asunto de amor, vas a pasar dos semanas con dolor pero después las usaras de por vida”.  Kate Moross

Actualmente la marca está presente en todo el mundo. Ya sea en los pies de los viejos punks que buscan un poco de los buenos días, en los pies de las nuevas generaciones que juegan a entender la libertad o en los de alguna subcultura que encuentra identificación en éstas. Lo que es un hecho es que son un símbolo que ha marcado generaciones. Lo interesante en la historia es ver cómo, sin importar la carga emocional o el valor irracional que tengan, el mercado es más importante. De ser un producto con identidad y de origen humilde, ahora se producen de manera masiva en China. Hace unos días la marca se vendió a European Private Equity House Permira por 485 millones de dólares. Sin importar sus inicios, su progreso y su lugar en el mundo, son los zapatos de los pensadores, de los buscadores de libertad, han sido voz de la individualidad pero han dejado atrás los sueños de muchos y demostrando una vez más que los ideales no son más que una utopia intrínseca a la vida de juventud.

doc martens

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Cedric Rivrain, el lado vulnerable de la moda

La ilustración de moda es una de las formas más artísticas y antiguas de profesar el diseño. La evolución ha sido una de sus características constantes, en ésta se puede percibir los diferentes estilos de cada época.

Durante el siglo XIX la constante era mostrar el reflejo de la sociedad de la época.  En 1920 se comenzó a utilizar como principal método de propaganda -en revistas- es en éstas donde surge el reconocido ilustrador Paul Poiret, quien creó un antes y un después gracias a que sus ilustraciones tenían mayor movimiento y menor realismo. Para 1930 la fotografía dominó el mercado, dejando fuera de este al dibujo. No fue hasta 1970 cuando esta técnica se recuperó y comenzó a tomar fuerza nuevamente.

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Actualmente la cantidad de técnicas y estilos es muy diversa. Su valor ha aumentado y es muy utilizado para darle un toque artístico e innovador tanto a campañas de moda como a publicaciones. Uno de los ilustradores con mayor reconocimiento internacional es el francés Cedric Rivrain, quien ha colaborado para crear ilustraciones míticas como la de Kate Moss usando un vestido del diseñador Alexander McQueen.

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Su técnica se basa en utilizar fondos neutros como apoyo para la construcción de personajes, los cuales se disuelven en entornos unicolor que envuelven sutilmente la imagen. Con el uso de lápiz y prismacolor, dibuja lo que percibe en la mirada mientras plática con sus futuras creaciones, así encuentra el lado más humano y vulnerable de éstas.

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El dominio que tiene de la anatomía humana se muestra en trazos tan ligeros que parecen inexistentes. La fluidez de su lápiz crea bocetos finamente detallados que  permiten visualizar las partes como un todo delicado.

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Su trabajó le ha dado un lugar con los grandes como Balenciaga, a quien  hizo una ilustración editorial. Durante 2011 fue el creador de la publicidad de Lanvin, ésta que circuló en París, durante primavera y otoño. También ha trabajado con Yves Saint Laurent y Prada.

Un artista que tiene un estilo personal fluido y nada pretencioso. En cada trazo muestra su visión para dar vida a una nueva creación. Las miradas enigmáticas que marcan su trabajo aportan un lado vulnerable al mundo de la moda.

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10 prendas icónicas en la historia de la moda

Prendas que han hecho historia en el mundo contemporáneo

La mayoría las prendas, en su forma original, han surgido por necesidades de diferentes índoles, ya sea por comodidad, estatus o, en algunos casos, para expresar alguna idea o estado de ánimo. Muchas de estas prendas lograron volverse clásicos en el uso cotidiano y en el inconsciente colectivo. A continuación presentamos 10 de las piezas que definieron la moda:

El Trench Coat

Surgió en 1914 durante la Primera Guerra Mundial por necesidad del ejército británico. El creador de esta pieza de algodón repelente al agua fue el reconocido Sir Thomas Burberry, quien dejó en esta prenda su legado en el mundo de la moda. La pieza saltó a la fama gracias a ídolos como Humpfrey Bogart y Audrey Hepburn.


Humpfrey Bogart
El Bikini

Se cree que surgió en 1600 A.C., pues se encontraron mosaicos que muestran a mujeres portando piezas parecidas a esta prenda. Pero no fue sino hasta 1946 cuando Louis Reard creó el bikini como se conoce en la actualidad. Lo diseñó mientras se encontraba en su taller de automóviles, lo que resulta bizarro por la asociación que se hace de pósters de mujeres portando esta prenda en las paredes de estos establecimientos. Lo que es indiscutible es la fuerza que emana y lo sensual que esta pieza resulta.

Marrilyn Monroe

El Little Black Dress

Fue creado en 1926 por Coco Chanel, diseñado para las mujeres quienes necesitaban una prenda representativa de su nueva independencia. Este vestido funcional, y a la vez elegante, le quitó a la mujer todos los adornos que la estigmatizaban. Es un clásico (básico) que no puede faltar en el clóset de ninguna mujer moderna.

Audrey Hepburn

La chamarra de cuero

Siempre ha sido sinónimo de rebeldía. En los años 50 James Dean causó revuelo en la película rebelde sin causa gracias a esta pieza que se presentaba como sinónimo de desacato y juventud. En los 60 la prenda se reinventó –comenzó a producirse en mezclilla- para representar a los hippies. En los 80 se recuperó el clásico de cuero, pero esta vez para ser el accesorio que identificó al movimiento punk y el heavy metal. Poco a poco ha evolucionado y representado a diferentes tipos de ideal, pero siempre relacionados con la juventud.

James Dean

La minifalda

Es innegable la revolución que causó la minifalda en su lanzamiento durante los 60. Su creadora, Mary Quant, está en disputa constante con Andre Courreges, quien se proclama el verdadero creador de ésta. La inspiración para la prenda que dio lugar a la liberación femenina fue el carro Mini Cooper. Las mujeres de distintas épocas la han llevado para demostrar y defender su feminidad y libertad, sin importar a quien le pese.

Twiggy

Los jeans

En 1873, Levi Strauss y Jacob Davis crearon la prenda más icónica de la historia: los jeans. Creados para los trabajadores por su gran resistencia, confeccionados con la tela más consumida de la historia, el Denim. La patente 139121 es nostálgicamente importante, pues es la que se utilizó para los jeans como se conocen en la actualidad -con remaches en los puntos de tensión-. Los jeans son la prenda que llegó para quedarse y ha sido utilizada por todos sin dejar espacio a los clasismos, conflictos raciales o tiempos de guerra; la prenda demostró que el paso del tiempo no tiene importancia para un básico como éste.

Levis

La camisa

No existe prenda más clásica que la camisa blanca. Originalmente se utilizó como ropa interior y sólo se veía el cuello. En el siglo XIX era un símbolo de distinción. Actualmente es una prenda que sin importar quién o cómo se use denota elegancia. Ha presentado una evolución considerable, pero su misticismo y sobriedad la ha dejado en un lugar privilegiado que pocas prendas pueden presumir.

Camisa Blanca

Los zapatos de tacón

Surgieron para ayudar a los hitas en su movilidad a caballo, ya que estos les ayudaban a fijar el pie en el estribo. Años más tarde, Luis XVI comenzó a utilizarlos para disimular su baja estatura. No fue hasta el siglo XVIII que las mujeres de la corte francesa comenzaron a utilizarlos como complemento de su vestimenta. Los zapatos de tacón pueden ser un lujo o hasta un fetiche, varían en tamaños, formas y colores pero siempre representan feminidad, belleza y estatus.

High Heels

El traje

Surge a mediados del siglo XIX en Inglaterra. Esta prenda, que para muchos es sinónimo de respeto, es sin duda referente de la elegancia y el buen vestir. Dicen que un hombre en un buen traje puede confundirse con el mejor de los hombres, cierto o no, esta prenda ha perdurado por años y su fin no se ve próximo. Es un conjunto atemporal que le aporta cualidades intrínsecas a la personalidad de sus portadores.

Ryan Gosling

El brassier 

En 1914, gracias a Mary Phelps Jacobs, el uso de prendas íntimas cambiaría para siempre la vida de las mujeres. Esta señora diseñó una prenda con ayuda de dos pañuelos de seda y unos cordones, a la cual llamó Backless Brassiere, un sostén muy parecido a lo que hoy se conoce como brassier. Esto ayudó a que las mujeres dejaran de usar el estorboso y molesto corsé. La prenda ha causado polémica entre las feministas, pues declaran que es transgresor; a pesar de esto ha logrado colocarse en el gusto y necesidad de las mujeres modernas.

Brasier

Chanel revive a Marilyn Monroe

La mujer mas deseada del siglo XX es sin duda Marilyn Monroe  fue de las primeras personas en convertir su nombre en marca. Rubia, hermosa y coqueta se consagro como belleza entre escándalos, canciones, películas y millones. Conocida por generaciones y añorada por montones es uno de los personajes más cotizados y utilizados a pesar de su muerte.

marilyn

La marca Chanel es una de las más grandes en el mundo de la moda. Su proyección la ha colocado como ejemplo para millones de diseñadores. Sus alcances son innumerables pero uno de los más admirados es la colocación del perfume Chanel No.5 como el más comprado de la historia. ¿Cómo puede un olor pasar generaciones enteras siendo el más deseado? Tiene un misticismo profundo que ha intrigado al mundo por años pero sin duda un factor que ayudo a su consagración fue la declaración hecha por la actriz Marilyn Monroe:

-¿Qué es lo que usted usa para dormir?-

 -Sólo unas gotas de Chanel Nº5 – Marilyn Monroe

marilyn monroe

No se sabe si Monroe inmortalizo el perfume o éste a la actriz lo que es un hecho es que ambos son sinónimo de glamour. Pocas cosas tienen el nivel del símbolo sexual por excelencia quien admitía tener una debilidad por la marca.

marilyn monroe chanel no5

 La nostalgia que ha mostrado chanel por la actriz es notable para muestra la búsqueda incansable que se hizo de la grabación donde declara al perfume como su compañero nocturno. La cual se encontró en el 2012 y se utilizo para crear un video en homenaje al dúo que marco la historia del perfume.

No se ha vuelto a encontrar alguien que signifique tanto para la marca como Marilyn por lo que a partir de diciembre se podrá ver a la rubia en los videos promocionales del perfume más clásico del mundo.

La casa decidió revivir a la actriz para demostrar por que solo ella ha sido capaz de portar el perfume que surgió para quedarse.

Expresar sin decir a través de las prendas

La evolución es un proceso natural que hace referencia al cambio para generar un nuevo aspecto. La mutación es un elemento fundamental que permite abandonar una etapa para pasar a otra. En el mundo de la moda también se encuentra el proceso que muestra cambios en el contexto social, cultural y tecnológico. 

Originalmente, la moda surgió como diferenciación social, pues mostraba la pertenencia a grupos sociales. La distinción sexual también fue parte de sus inicios, la que continúa hasta hoy; el uso de prendas específicas correspondientes al rol social se ve definido por el contexto histórico. Estos patrones culturales se han “roto” a través de las épocas, demostrando y reforzando que las prendas expresan individualidad. Con el paso de los años las técnicas han evolucionado desde la forma en la que se percibe,  hasta en cómo se utiliza. Así, el diseño de prendas demuestra que la moda surgió y existe para expresar sin decir una palabra.

 

Prendas evolución


Algunos elementos van más allá de la banalidad con la que se pueda percibir a la moda. Es innegable que el vestido ha sido una necesidad del ser humano desde la época de las cavernas hasta el mundo actual, y los factores climáticos, geográficos y culturales son inherentes a la hora de vestir.

 

vestimenta peru
A lo largo de la historia las prendas han sido confeccionadas con base en parámetros funcionales y estilísticos cargados del devenir artístico de cada generación, demostrando así la sensibilidad y necesidad de expresión humana, pues, además de cubrir necesidades secundarias, marca estatutos contextuales que definen y a su vez son definidos por los individuos y el contexto.

moda 2014

 

Para las primeras prendas se utilizaron textiles que “se tenían a la mano”,  pieles de animales o lino (en Egipto). Poco a poco éstas se explotaron hasta volverse pretenciosas y no precisamente necesarias. Actualmente, los textiles y materiales de confección no tienen un fin específico, la producción a grandes escalas no permite crear prendas de calidad que cubran las necesidades del consumidor, pues, en muchas ocasiones, su funcionalidad se reduce a estética.

 

lino de egipto antiguo

 

El uso de nuevas tecnologías marcó el inicio de la exportación y producción de prendas. Los barcos de vapor permitieron intercambiar productos entre naciones, la revolución industrial permitió producciones mayores a las antes establecidas y hoy por hoy las impresoras en tercera dimensión permiten crear prendas hasta antes imposibles.

 

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Las prendas están directamente relacionadas con la sociedad y sus estratos. El contexto marca la pauta para la creación y utilización de elementos simbólicos que muestran ciertos rasgos de un momento específico. Una muestra de esto son las tribus, las que a través de su vestimenta muestran su ideología y su cultura. Así mismo, las tribus urbanas marcan una opinión específica respecto a la sociedad y la forma de ver el mundo. Los aztecas, los griegos y los romanos se definían socialmente gracias a elementos concretos. Actualmente la construcción individual de vestimenta está inconscientemente definida por el mensaje que se busca mandar a los otros.

 

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punks

 

La evolución es intrínseca a la existencia del ser humano, a su vez, la vestimenta es intrínseca a éste. Aristóteles decía que el hombre es el animal social por naturaleza y mientras esto persista, la moda y la sociedad no son más que el reflejo del otro. 

Los Beatles: el significado de sus estilos

Quién puede olvidar los lentes circulares de John Lennon o los trajes utilizados en Stg. Pepper que revolucionaron y dieron pie a una nueva era en el mundo de la moda, esa  que permitió expresar una ideología a través de la forma de vestir. Los 60 fueron un excelente época para demostrar que la vestimenta es todo menos banal, que y como una prenda o un estilo pueden decir mucho de una persona.

John Lennon

A inicios de esta década el color negro y las chamarras de cuero fueron el signo del famoso cuarteto. Después siguieron las corbatas y los trajes que los hacían  ”presentables” ante el mundo. Cuando los Rolling Stones salieron a la luz, hicieron que la moda fuera sinónimo de rock and roll, lo que dio pie a que los Beatles comenzaran a encontrar una identidad tanto individual como  de grupo, lo que les permitió utilizar la moda como extensión a su música.

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Comenzaron a explorar distintos estilos que se volvieron íconos y que representaron sus momentos de evolución. Un claro ejemplo fue cuando, indiscutiblemente, comenzaron a tener influencias psicodélicas en sus vestuarios debido a su consumo de LSD. Esta nueva estética, de la mano con su música, les ayudó a  romper cánones. Los colores brillantes y los estampados los definieron durante las presentaciones de los discos: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Yellow Submarine.

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A finales de los 60 optaron por un estilo minimalista. La estética en la que se basaron era más simple. Durante esta temporada John Lennon popularizó su clásico traje blanco. Unieron piezas clásicas para crear un estilo casual definido por la mezclilla, los trajes y los colores sólidos. Fueron tiempos de muchos cambios para la banda y se notaba en la diversidad de estilos que presentaban. Era notable la influencia de la cultura hindú y de su nueva ideología espiritual, lo que se tradujo en un “nulo interés” por la apariencia. Las barbas, considerablemente largas, y el cabello con un toque descuidado, expresaban el sentimiento de una ideología más hippie enfocada en la naturaleza y el Universo como parte de un todo.

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Uno de los símbolos más explotados fue el revolucionario corte mop-top, que une el bob, el pageboy y el corte de tazón. Éste fue adoptado en todo el mundo tanto por mujeres como por hombres y durante años fue un símbolo de referencia para identificar no sólo a los Beatles sino al rock & roll en general. Este corte dejó en claro que los jóvenes de la época  tenían una nueva identidad, guiada por sus ídolos: los chicos de Liverpool.

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Su forma de utilizar el vello corporal fue revolucionaria. El cabello largo, los bigotes y las barbas desencadenaron el descontento de conservadores y padres de familia, quienes calificaba este estilo como protesta e insulto de parte de los jóvenes. Con esto dieron pie a una libertad nunca antes vista que permitía a los jóvenes tener nuevas formas de expresar sus ideologías. Este descontento fue tal que la Unión Soviética arrestó y forzó a cortarse el cabello a todos aquellos que copiaran el peinado de los músicos.

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Ídolos, revolucionarios  y artistas, dieron la vuelta al mundo causando furor; compartieron su visión y reinterpretaron al mundo. A lo largo de su carrera demostraron ser capaces de adaptarse y reinventarse  en una evolución constante.

Versace: la copia original de la copia

La cantante M.I.A. colabora con la marca en la nueva colección de Versus

En 1978 el diseñador italiano Gianni Versace fundó la casa de moda que lleva su nombre. Actualmente Versace está dirigida por su hermana Donatella. Una de las líneas de difusión de la casa es la marca Versus, la que se dirige a aquellos con un estilo definido y que buscan evolucionar el mismo.

M.I.A.

La marca ha demostrado ser innovadora, no convencional y creativa. Sus propuestas son riesgosas al proponer nuevas tendencias; y gracias a esto se ha posicionado con éxito desde su surgimiento, en 1989.

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Hace poco la marca decidió romper moldes creando una colección de 19 piezas inspiradas en artículos falsos, atribuidos a la marca, que se han encontrado en el mercado londinense:  Playeras unisex, jeans, vestidos y chamarras conforman la serie que juega con el criterio de originalidad.

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La marca reinterpreta estampados y los clásicos elementos que la definen:  las  medusas, las cadenas y la flor de loto, otorgándoles un toque más urbano.  La creativa  declaró que adora la energía de las calles, así que cuando M.I.A. se propuso como modelo para esta colección, no lo dudo.

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Los contrabandistas sirvieron como inspiración para crear una cadena que elimina los límites entre lo callejero, la moda y  la innovación.  El encargado de expresar la idea es el fotógrafo mexicano Jaime Martínez, quien a través de una serie de gifs transmite el mensaje de la campaña, dejando en claro que las calles y la marca son capaces de crear una actitud urbana que trasciende copias.

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El barroco como tendencia

Las tendencias tienen un origen mucho más profundo de lo que aparentan. Si el Barroco pertenece a la tendencia global, resultaría bueno profundizar por qué este periodo se ha retomado en las pasarelas de moda.

Si preguntamos, ¿qué tienen en común la actualidad a la época del Barroco? quizá no se encontrarían muchos puntos, pero si se estudian ambas épocas a profundidad, encontraremos más paralelismos de los que pensamos.

El Barroco surgió en un momento de grandes problemas políticos; a la par, el arte vivía un gran momento. La ambigüedad que se logra a lo largo de este periodo es latente en todas sus facetas. El interés por romper con el equilibrio clásico, así como la sátira constante respecto a la ambición y el dinero, son algunos de los elementos que encontramos en la actualidad. Existe una teoría respecto a esta época, y pone al Barroco como un silogismo de origen aristotélico que señala ambigüedad basada en un débil contenido lógico que logra confundir lo verdadero con lo falso. Si miramos a nuestro alrededor, encontraremos que los estímulos a los que estamos expuestos pueden ser sumamente profundos o sumamente banales y esto depende de la percepción con la que se les mire.

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El periodo de la historia que abarcó el S. XVIII estuvo marcado por adelantos científicos que representaron avance, como la teoría heleocéntrica. Debido a estos cambios en la concepción del mundo, las personas perdieron fe en lo divino y volcaron todo a la existencia del hombre. Comenzaron a basar su filosofía de vida en el memento mori –la fugacidad de la vida-.Si miramos con atención, esto no se encuentra muy alejado de la realidad; el hedonismo existente, aunado a la cantidad de cambios tecnológicos a los que estamos expuestos.

barroco

La pintura tuvo gran importancia y surgieron algunos géneros en este ámbito. uno de ellos fue la pintura de género, que utiliza modelos de la vida diaria, circunstancias comunes, fiestas, etc. El paisaje que declara a la naturaleza como un ser independiente a la existencia del ser humano, utilizándola como inspiración principal en lugar de ser simplemente un apoyo para un conjunto. O vanitas, que en forma de bodegón hace alusión a lo efímero de la existencia, representado por cráneos, esqueletos o velas.

barroco en tendencia

Actualmente, la inspiración del día a día se representa en pinturas, fotografías o ilustraciones que marcan la pintura de género como base de creación. La importancia dentro del paisaje en la actualidad es indudable; el peso y el poder que ha adquirido la naturaleza respecto a su belleza -entre otras-  se encuentra latente en nuestro presente. Quizá, vanitas como tal no se presentes en nuestras vidas porque no se presentan como un bodegón, pero las calaveras o los esqueletos utilizados como inspiración constante en diversos estilos, recuerdan todo el tiempo la fugacidad de la vida.

Todo lo anterior ayuda a entender y entrar en el surgimiento de una tendencia. Algunos de los  diseñadores más importantes  han apostado por reinventar los elementos del Barroco como lo son la exageración, los tonos dorados y el brocado. De esta forma, dar voz a las semejanzas que encontramos en nuestro día a día no son casualidad sino identidad.

Jeremy Scott: prendas que permiten identificación

Muchas veces, la sociedad rechaza la propia identidad y exige una generalidad para pertenecer a ella; pero el diseñador de modas Jeremy Scott ofrece una identificación con el mundo a través de sus prendas. las que expresan y rompen las limitantes de la sociedad

Tiene la astucia para convertir todo lo que nos rodea en arte interpretado a través de prendas vanguardistas que juegan con los accesorios del día a día para convertirlos en íconos de su controvertido mundo. De esta forma se crea un análisis referente a  la visión generalizada con la que el mundo pretende que se vean las cosas. Sus colecciones expresan una percepción atrevida que se distingue del resto, abalando que las cosas más simples tienen la suficiente complejidad. 

Su forma de conectarse con el mundo no sólo es satírico e irreverente , sino que rompe , también, moldes para crear una confrontación referente a la individualidad y a las formas de expresión. Su atracción por el pasado, combinado con tintes futuristas y novedosos, se transmite en colecciones que buscan reinterpretar la percepción de lo simple y burdo. 

La diversión con la que dota a sus prendas provoca que todos quieran un poco de ésta para jugar con los elementos de forma perspicaz y cínica. En sus colecciones utiliza prendas del día a día en forma caricaturesca y cargadas de colores brillantes que provocan la  anulación de lo automatizado.
El éxito de la marca radica en que sus prendas  liberan la cotidianidad para dar lugar a una nueva forma de cultura conceptual que hace percibir al siglo XXI como una era de versatilidad y cambio en la que todo lo que nos rodea se convierte en parte de una identidad colectiva. 

Utilizar alguna de sus prendas es jugar en un mundo donde todo está inventado. Su sello son los colores brillantes y elementos como las alas de Pegaso, las que simbolizan  libertad, “estado de ánimo” latente en todas sus creaciones; éstas lo han colocado como símbolo de caos mental, provocando cohesión a través de prendas que refutan lo establecido. 

 Rompe moldes y establece nuevas reglas; sus colecciones ofrecen un mundo fresco, imaginativo y “juguetón”  lleno de posibilidades.

Anna Piaggi: la rebelde del mundo de la moda

Revolucionaria en el mundo editorial y en la creación de estilos

 

El mundo de la moda es un lugar voluble e inestable, un día se pertenece a él y al siguiente nadie te recuerda. Pero existen personajes que logran ir mucho más allá de esto y alcanzan un lugar privilegiado dentro de ese mundo tan codiciado.

Anna Piaggi fue una de las diseñadoras que logró trascender en el tiempo y convertirse en referente de estilo, rompiendo las barreras existentes.  Su estilo es  inconfundible;  con un mechón azul en el cabello, sombreros exóticos y un bastón que siempre la acompaña, Piaggi cambió la concepción de lo que hasta entonces se consideraba estilo. Reestructuró los conceptos para dar al mundo un poco de ella. Su filosofía de moda siempre fue: humor, chistes y juegos; con estos conceptos eliminó todas las reglas establecidas para crear las propias.

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Editora de Vogue Italia, fue la creadora oficial de las páginas dobles de revistas. Cuando esto surgió fue una muestra de evolución y revolución , de intelectualidad y simplicidad. Era capaz de ver donde nadie más veía y de crear, a partir de una visión simple, lo que nadie más podía.

Entre sus amigos más cercanos se encontraban Stephen Jones, Manolo Blahnik y Karl Lagerfeld, a quienes conocía desde los años 80 y no sólo colaboraron con Anna, sino que, también, se declararon grandes admiradores.

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Para Piaggi, lograr un “look perfecto” era lo peor que podía pasar. Era una ferviente creyente de los colores, las texturas y los sombreros, a los que consideraba un halo de felicidad. Una mujer que se adelantó a su época y cuya mente siempre estuvo cargada de una intelectualidad visionaria que le enseñó al mundo que no se trata de moda sino de estilo.

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Anna Piaggi  murió en Milán, el 7 de agosto, a los 81 años de edad. En el homenaje que le rindieron personajes del mundo de la moda se encontraba Manolo Blahnik, quien  se refirió a ella como:  “uno de los motivos para ser como soy era Signora Piaggi, ella era una luz en mi vida y una gran amiga”, y el sombrerero, Stephen Jones, cuyas creaciones eran parte del estilo de Anna, dijo: “era no sólo mi musa, sino un talismán para todos aquellos que creen que la moda es un modo de vivir y que la libertad de expresión debería manifestarse en lo que usamos”.

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